Barney Kessel • Workin' Out!

Review by Scott Yanow

For this lesser-known effort by Barney Kessel (reissued on a 1998 CD), the guitarist is heard shortly after he decided to forego his career in the studios and try to make a living playing jazz full-time. He formed a quartet that also included three now-obscure players: Marvin Jenkins on piano and occasional flute, bassist Jerry Good, and drummer Stan Popper. Kessel plays well during a program that is highlighted by Jenkins' "Good Li'l Man," "When Johnny Comes Marching Home," Ahmad Jamal's "New Rhumba," and the guitarist's own "Pedal Point." Nothing all that unusual occurs, but the music is fine modern mainstream jazz from the early '60s.

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Revisión por Scott Yanow

Para este esfuerzo menos conocido de Barney Kessel (reeditado en un CD de 1998), el guitarrista se escucha poco después de que él decidió renunciar a su carrera en los estudios y tratar de ganarse la vida tocando jazz a tiempo completo. Formó un cuarteto que también incluía tres jugadores ahora oscuros: Marvin Jenkins en el piano y flauta ocasional, el bajista Jerry Good y el baterista Stan Popper. Kessel juega bien durante un programa destacado por "Good Li'l Man" de Jenkins, "Cuando Johnny Comes Marching Home", "New Rhumba" de Ahmad Jamal y "Pedal Point" del guitarrista. No ocurre nada tan inusual, pero la música es un buen jazz moderno de principios de los 60.

Grant Green • Iron City

By DOUGLAS PAYNE

Published: April 1, 1998

For guitarist Grant Green (1931-79), the years between 1965 and 1969 were lost in a battle with drugs. His graceful, easily identifiable single note phrases had caught many listeners' attention with a wide variety of excellent Blue Note dates between 1960 and 1965. Seemingly able to master any style, he never once diminished the force or appeal of his own personality. Leaving Blue Note, he recorded two albums for Verve in 1965 (one remains unreleased), then wasn't heard from again until 1969. But somewhere in 1967, he teamed with former Lou Donaldson rhythm-mates John Patton (organ) and Ben Dixon (drums) and recorded, Iron City, his best ever organ-trio record.

Presumably recorded for then-thriving Prestige Records, Iron City was first issued in 1972 on Cobblestone Records and again in 1978 on Muse. Now that 32Jazz has introduced it on CD, a new generation of jazz listeners can hear how forceful the guitarist could be in the right funk. Freed from the constraints of well-rehearsed Blue Note staidness, Green and company let loose here in a rip-roaring, mostly up-tempo program of solid winners.

Green's own "Iron City" is one of his catchiest funk pieces and Patton and Dixon are down, deep in the groove. This trio even swings Luis Bonfa's sticky-sweet, overplayed "Samba de Orfeu" so hard its titled "Samba de Orpheus." "Old Man Moses," (which Green first covered in 1962 on the excellent Feelin' the Spirit ), is the disc's centerpiece. Stating the theme, the trio works itself into "A Love Supreme" groove and responds with praiseworthy playing that shows how well good heads can work the feet.

Patton is especially muscular and memorable here and, overall, pulls off one the best performances of his career (acid-jazzers could find plenty of meaty samples here too). "High Heeled Sneakers" and "Work Song" are the standard soul-jazz warhorses - but each gets thorough, no-holds-barred workouts from Green and crew. The moody blue of "Motherless Child" (another return to Feelin' the Spirit ) is also sensitively - and intuitively - handled by the trio, but in a way that does not compromise toward sentimentality.

The disc's sound is pristine and really brings out Patton's pedalwork and Dixon's subtle technique more than the old records did. Iron City is, if not Green's best organ-trio record, surely his last "great" recorded performance. After returning to active recording in 1969, he resorted to mostly mindless vamps, rehashed pet licks and, too often, the company of associates and material well beneath his talent. Iron City suggests that only the best was to still to come.

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Por DOUGLAS PAYNE

Publicado: 1 de abril de 1998

Para el guitarrista Grant Green (1931-79), los años entre 1965 y 1969 se perdieron en una batalla contra las drogas. Sus elegantes y fácilmente identificables frases de una sola nota habían llamado la atención de muchos oyentes con una amplia variedad de excelentes fechas de Blue Note entre 1960 y 1965. Aparentemente capaz de dominar cualquier estilo, nunca disminuyó la fuerza o el atractivo de su propia personalidad. Dejando Blue Note, grabó dos álbumes para Verve en 1965 (uno permanece inédito), y luego no se supo de él hasta 1969. Pero en algún momento de 1967, se unió a sus antiguos compañeros de ritmo de Lou Donaldson John Patton (órgano) y Ben Dixon (batería) y grabó Iron City, su mejor disco de órgano y trío.

Presumiblemente grabada para los entonces prósperos Prestige Records, Iron City se publicó por primera vez en 1972 en Cobblestone Records y de nuevo en 1978 en Muse. Ahora que 32Jazz lo ha presentado en CD, una nueva generación de oyentes de jazz puede escuchar lo enérgico que puede ser el guitarrista en el funk adecuado. Liberados de las limitaciones de la bien ensayada seriedad de Blue Note, Green y compañía se dejaron llevar por un programa de ganadores sólidos, en su mayoría a ritmo acelerado.

La propia "Ciudad de Hierro" de Green es una de sus piezas de funk más pegadizas y Patton y Dixon están en el fondo de la onda. Este trío incluso sacude el pegajoso y dulce "Samba de Orfeu" de Luis Bonfa con tanta fuerza que se titula "Samba de Orpheus". "Old Man Moses," (que Green cubrió por primera vez en 1962 en el excelente Feelin' the Spirit), es la pieza central del disco. En cuanto al tema, el trío se trabaja a sí mismo en el ritmo de "A Love Supreme" y responde con una interpretación loable que demuestra lo bien que las buenas cabezas pueden hacer funcionar los pies.

Patton es especialmente musculoso y memorable aquí y, en general, consigue una de las mejores actuaciones de su carrera (los acid jazzers también pueden encontrar muchas muestras de carne aquí). Las "Zapatillas de tacón alto" y la "Canción de trabajo" son los caballos de guerra estándar de soul-jazz - pero cada uno recibe entrenamiento completo y sin restricciones de Green y la tripulación. El azul malhumorado de "Motherless Child" (otro regreso a Feelin' the Spirit) también es manejado sensible e intuitivamente por el trío, pero de una manera que no compromete el sentimentalismo.

El sonido del disco es prístino y realmente resalta el pedaleo de Patton y la técnica sutil de Dixon más de lo que lo hacían los viejos discos. Iron City es, si no el mejor disco de órgano y trío de Green, seguramente su última "gran" actuación registrada. Después de regresar a la grabación activa en 1969, recurrió en su mayoría a vampiros descerebrados, volvió a lamer mascotas y, con demasiada frecuencia, a la compañía de asociados y material muy por debajo de su talento. Iron City sugiere que sólo lo mejor estaba por venir.

Joe Cohn • Marathon Man - The Emeryville Sessions Vol 1

 

Joe Cohn was fated to a life in music by his antecedents and early exposure to the greatest musicians and composers, Joe, son of legendary saxophonist Al Cohn and vocalist Marylin Moore, has steadily risen to the fore and made his mark as one of the most inventive and catalytic guitarists in jazz. Joe emerged from his years at the Berklee School of Music in the late 70s as a multi-instrumentalist, and is no less impressive on trumpet. His work on guitar is consistently applauded and favorably reviewed. His professional experience as a guitarist is of the first order. He has toured and played with groups led by his father, Al Cohn (1979-87, including Europe), Freddy Cole (touring Brazil), Bob Mover, Nick Brignola, Artie Shaw, Zoot Sims, Buddy DeFranco (ongoing), Al Grey (ongoing), Warren Chiasson (ongoing), Carmine Leggio (ongoing), Claude “Fiddler” Williams (ongoing) and, of course, Harry Allen. On the New York City jazz club and concert scene, he has played the famous Blue Note with Al Cohn, Artie Shaw and Al Grey, Fat Tuesday’s and Sweet Basil with Al Grey, the Dorothy Chandler Pavilion with Artie Shaw and Lincoln Center with Hank Jones and Wynton Marsalis. On the international scene, he has played the Oslo Jazz Festival with Frank Wess, has played the annual jazz cruise on board the SS Norway with Al Grey, and wowed them at the Lionel Hampton Club in Paris with Duffy Jackson.

His credits go on and on, but the proof of the playing is in the hearing thereof, so don’t miss this opportunity to dig Joe Cohn.
https://musicians.allaboutjazz.com/joecohn

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Joe Cohn estaba predestinado a una vida en la música por sus antecedentes y su temprana exposición a los más grandes músicos y compositores, Joe, hijo del legendario saxofonista Al Cohn y la vocalista Marylin Moore, ha ascendido constantemente y ha dejado su huella como uno de los guitarristas más inventivos y catalizadores del jazz. Joe surgió de sus años en la Berklee School of Music a finales de los 70 como multiinstrumentista, y no es menos impresionante con la trompeta. Su trabajo con la guitarra es constantemente aplaudido y con críticas favorables. Su experiencia profesional como guitarrista es de primer orden. Ha realizado giras y tocado con grupos liderados por su padre, Al Cohn (1979-87, incluyendo Europa), Freddy Cole (de gira por Brasil), Bob Mover, Nick Brignola, Artie Shaw, Zoot Sims, Buddy DeFranco (en curso), Al Grey (en curso), Warren Chiasson (en curso), Carmine Leggio (en curso), Claude "Fiddler" Williams (en curso) y, por supuesto, Harry Allen. En la escena de clubes y conciertos de jazz de Nueva York, ha tocado en el famoso Blue Note con Al Cohn, Artie Shaw y Al Grey, en Fat Tuesday's y Sweet Basil con Al Grey, en el Dorothy Chandler Pavilion con Artie Shaw y en el Lincoln Center con Hank Jones y Wynton Marsalis. En la escena internacional, ha tocado en el Festival de Jazz de Oslo con Frank Wess, ha tocado en el crucero anual de jazz a bordo del SS Norway con Al Grey y ha maravillado en el Lionel Hampton Club de París con Duffy Jackson.

Sus créditos son interminables, pero la prueba de la interpretación está en la audición de la misma, así que no te pierdas esta oportunidad de escuchar a Joe Cohn.
https://musicians.allaboutjazz.com/joecohn


www.joecohn.com ...

Joe Cohn • The Emeryville Sessions, Vol. 2

 

Mark O'Leary • On the Shore [link OK]

Biography:
Mark O'Leary was born in Cork City Ireland.Being mainly auto didactic on guitar he moved to Los Angeles at the age of 17 to study at Musicians Institute,from where he later graduated. He has presented his music in 29 countries and has played at some of the worlds top Jazz festivals and contemporary Jazz venues. He has toured Europe as a member of Canadian Pianist Paul Bley's trio,he has performed in duo with Jack DeJohnette,in a jazz trio with Yes/King Crimson drummer Bill Bruford, in duo with Han Bennink,composed and performed classical music with Cikada string quartet,collaborated in an all electronics setting with Sound Artist Gunter Muller, Erdem Helveciouglu and Jakob Riis,in a free improvisation combo with Evan Parker and Sunny Murray, performed in concerts with Anders Jormin and Audun Kleive, played Norwegian folk music with Nils Okland, Swedish folk music with Mats Eden, Jazz with Uri Caine, he has performed in seperate projects with trumpeters Axel Dorner,Kenny Wheeler, Thomas Heberer and Jeff Kaiser. He has the distinction of having played in duo with Paul Bley, Bobo Stenson and Matthew Shipp. In 2004 he toured Serbia, Bosnia and Montenegro with Vasil Hadzimanov and Marco Djordevic. He also toured in Macedonia with Guitarist Toni Kitanovski and Drummer Alexander Sekhulovski. He also represented Ireland in the Athens European jazz festival. He has also worked in a trio with ex Weather Report/Jaco Pastorius Drummer Peter Erskine and Palle Danielsson. He has also collaborated with the innovative percussionists z'ev, Alex Cline ,Hans Kristian Kjos Sorensen and Terje Isungset.He has also collaborated with Stale Storlokken in contemporary trio using church organ and with John Herndon of Tortoise in the Underground Jazz Trio. He has also worked in different projects with Slava Ganelin and Alexander Tarasov of the Ganelin trio fame also in a UK based group with Mark Sanders and Joe Williamson of Trapist. He has toured in the exciting group Zemlya with Eyvind Kang and Dylan Van Der Schyff and also with Dylan and Wayne Horvitz. In conjunction with Alliance Francaise he performed in a trio with Henri Texier and Aldo Romano. He also played in a trio with Jon Christensen and Terje Gewelt He has played in Poland with drummer Michal Miskiewicz and Tomasz Szukalski and with the Oles brothers Bartlomiej and Marcin. He has also played with the Aka Moon rhythm section of Michel Hadzigeorgiu and Stephane Galland. He has also colloborated in trio with Stefan Pasborg and Peter Friis Nielsen as well as working with other Danes Jacob Anderskov and in duo with Kresten Osgood.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/mark-oleary/

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Biografía:
Mark O'Leary nació en la ciudad de Cork, Irlanda.Siendo principalmente autodidacta en guitarra, se mudó a Los Ángeles a los 17 años para estudiar en el Musicians Institute,de donde luego se graduó. Ha presentado su música en 29 países y ha tocado en algunos de los mejores festivales de Jazz y salas de Jazz contemporáneo del mundo. Ha realizado giras por Europa como miembro del trío del pianista canadiense Paul Bley,ha actuado a dúo con Jack DeJohnette,en un trío de jazz con el baterista de Yes/King Crimson Bill Bruford, a dúo con Han Bennink,compuso e interpretó música clásica con Cikada string Quartet,colaboró en un entorno totalmente electrónico con el artista sonoro Gunter Muller, Erdem Helveciouglu y Jakob Riis,en un combo de improvisación libre con Evan Parker y Sunny Murray, actuó en conciertos con Anders Jormin y Audun Kleive, tocó música folclórica noruega con Nils Okland, música folclórica sueca con Mats Eden, Jazz con Uri Caine, ha actuado en proyectos separados con los trompetistas Axel Dorner, Kenny Wheeler, Thomas Heberer y Jeff Kaiser. Tiene la distinción de haber tocado a dúo con Paul Bley, Bobo Stenson y Matthew Shipp. En 2004 realizó una gira por Serbia, Bosnia y Montenegro con Vasil Hadzimanov y Marco Djordevic. También realizó una gira por Macedonia con el guitarrista Toni Kitanovski y el baterista Alexander Sekhulovski. También representó a Irlanda en el festival europeo de jazz de Atenas. También ha trabajado en un trío con el ex baterista de Weather Report/Jaco Pastorius, Peter Erskine y Palle Danielsson. También ha colaborado con los innovadores percusionistas Z'ev, Alex Cline, Hans Kristian Kjos Sorensen y Terje Isungset.También ha colaborado con Stale Storlokken en trío contemporáneo usando órgano de iglesia y con John Herndon de Tortoise en el Trío de Jazz Underground. También ha trabajado en diferentes proyectos con Slava Ganelin y Alexander Tarasov del Ganelin trio fame también en un grupo con sede en el Reino Unido con Mark Sanders y Joe Williamson de Trapist. Ha realizado giras en el emocionante grupo Zemlya con Eyvind Kang y Dylan Van Der Schyff y también con Dylan y Wayne Horvitz. En conjunto con Alliance Francaise actuó en trío con Henri Texier y Aldo Romano. También tocó en trío con Jon Christensen y Terje Gewelt. Ha tocado en Polonia con el baterista Michal Miskiewicz y Tomasz Szukalski y con los hermanos Oles Bartlomiej y Marcin. También ha tocado con la sección rítmica Aka Moon de Michel Hadzigeorgiu y Stephane Galland. También ha colaborado en trío con Stefan Pasborg y Peter Friis Nielsen, además de trabajar con otros daneses Jacob Anderskov y en dúo con Kresten Osgood.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/mark-oleary/

Philip Catherine Trio • Transparence

 

Biography by Matt Collar

An immensely gifted Belgian guitarist, Philip Catherine is a highly regarded performer known for his harmonically nuanced, deeply lyrical playing and crisply rounded fretboard touch evident in virtually any style of music he plays: Gypsy jazz, fusion, blues, post-bop, funk, swing, and more. While the jazz populace considered him a fusion player based on 1972's Stream and 1974's September Man, Catherine proved more adventurous -- evidenced by the other artists he worked with during the decade: Kenny Drew, Rolf and Joachim Kuhn, Jean-Luc Ponty, Peter Herbolzheimer, and Larry Coryell (with whom he recorded and toured as an acoustic duo. The following year he recorded with Charles Mingus, who dubbed him "Young Django" (resulting in an album of the same title with Stephane Grappelli, Coryell, and Niels-Henning Ørsted Pedersen in 1979). In the early '80s, Catherine toured with Benny Goodman and played in trios with Chet Baker and Didier Lockwood. After the acclaimed Chet's Choice in 1985, Catherine returned as a leader with the funky, charting Transparence in 1987. During the '90s, the guitarist recorded three albums with trumpeter Tom Harrell, two fine duos with Pedersen (Spanish Nights and Art of the Duo), and a pair of widely acclaimed trio dates with Serge Delaite and George Mraz (Emotionally and Teenagers). Two very electric post-bop fusion outings, Guitar Groove and Blue Prince, appeared under Catherine's name for Dreyfuss Jazz to kick off his 21st century as international hits. 2009's Culture Griot with Baba Sissoko, 2011's Plays Cole Porter, and the live La Belle Vie all registered internationally.

Born in London in 1942 to an English mother and Belgian father, Catherine moved to Brussels with his family at a young age. As a teenager, he became interested in the guitar, influenced at the time by French singer/songwriter and poet George Brassens. By age 14 he was taking lessons, and learning the basic elements of jazz improvisation when he discovered Django Reinhardt. He quickly absorbed the jazz legend's distinctive style, and eventually picked up other influences, including Belgian guitarist René Thomas. He also immersed himself in albums by such luminaries as Art Blakey, Clifford Brown, Max Roach, and others.

Catherine began playing gigs while in his teens, working in a trio with American Hammond B-3 specialist Lou Bennett and drummer Oliver Jackson. There were also stints with Belgian saxophonist Jack Sels and Philadelphia-born/Brussels-based drummer Edgar Bateman. In 1970, violinist Jean-Luc Ponty asked him to join his band and, inspired by contemporaries like John McLaughlin and Larry Coryell, Catherine stayed with Ponty for a year, dedicating himself to the progressive fusion sound. Also during this period, he attended formal music classes at Berklee College of Music in Boston.

After returning to Belgium, Catherine found himself in high demand and developed a bevy of connections, including playing with Klaus Weiss, Les McCann, Karin Krog, Dexter Gordon, and others. As a solo artist, he made his debut with 1971's Stream, a funky, inventive mix of acoustic and electric jazz. He followed up in 1975 with Guitars and September Man, both also highly inventive, fusion-influenced albums. Sessions with Herb Geller, Niels-Henning Ørsted Pedersen, and Charles Mingus followed, as did a duo tour with guitarist Coryell. Also during the '70s, he paired with close associate saxophonist Charlie Mariano for a handful of sessions, and rounded out the decade with his own Nairam, which also featured Mariano, along with trumpeter Palle Mikkelborg and others.

During the '80s, Catherine's profile continued to rise as he released several more well-regarded efforts, including Babel, End of August, and Trio with guitarist Christian Escoude and violinist Didier Lockwood. There also were dates with Aldo Romano, Stéphane Grappelli, and Kenny Drew. Also in the '80s, he gained attention for his work with legendary West Coast trumpeter/vocalist Chet Baker, touring and appearing on such albums as 1983's Mr. B and 1985's Strollin'. Although his 1986 album, Transparence, layered keyboards into his atmospheric sound, his work with Baker pointed toward a more acoustic-leaning aesthetic. It was a sound he further embraced on 1990's I Remember You. Dedicated to Baker (who died in 1989), the album also featured trumpeter/flügelhornist Tom Harrell. Throughout the '90s, Catherine released a steady stream of albums for smaller jazz labels like Enja, Criss Cross, and Dreyfus, including albums like Moods, Vol. 1, Spanish Nights, and 1999's Guitar Groove.

In 2001, he returned with Blue Prince, which found him balancing his love of acoustic jazz and electric fusion. Joining him were trumpeter Bert Joris, bassist Hein van de Geyn, and drummer Hans Van Oosterhout. Joris was also on board for 2002's Summer Night. The orchestral album Meeting Colours followed three years later. The more intimate Guitars Two appeared in 2008. He then joined bassist van de Geyn, pianist Enrico Pieranunzi, and drummer Joe La Barbera for the 2010 live album Concert in Capbreton. A year later, he delivered the trio date Plays Cole Porter, followed by 2013's warmly sophisticated Côté Jardin. The duo album New Folks with bassist Martin Wind followed a year later. He then joined the Orchestre Royal de Chambre de Wallonie for 2015's The String Project: Live in Brussels. In 2017 Catherine was a co-billed soloist with Finnish saxophone legend Eero Koivistoinen on Jazz Liisa 13, and the following year cut La Belle Vie with longtime friend and collaborator Aldo Romano on drums and organist Emmanuel Bex. In 2019, Catherine issued the trio date Manoir de Mes Rêves with upright bassist Sven Faller and acoustic guitarist Paulo Morello. The program of French standards was compiled from pop, jazz and chanson. In 2020, KTI Japan in association with Warner International remastered and reissued Stream.
https://www.allmusic.com/artist/philip-catherine-mn0000287463/biography

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Biografía de Matt Collar
Philip Catherine, un guitarrista belga de gran talento, es un intérprete muy apreciado, conocido por su toque armónico y profundamente lírico, y por su toque de diapasón nítidamente redondeado, evidente en prácticamente cualquier estilo de música que toque: Jazz gitano, fusión, blues, post-bop, funk, swing, etc. Aunque el público del jazz le consideraba un músico de fusión gracias a Stream, de 1972, y September Man, de 1974, Catherine demostró ser más aventurero, como demuestran los otros artistas con los que trabajó durante la década: Kenny Drew, Rolf y Joachim Kuhn, Jean-Luc Ponty, Peter Herbolzheimer y Larry Coryell (con quien grabó y realizó giras como dúo acústico. Al año siguiente grabó con Charles Mingus, que le apodó "el joven Django" (lo que dio lugar a un álbum del mismo título con Stephane Grappelli, Coryell y Niels-Henning Ørsted Pedersen en 1979). A principios de los 80, Catherine realizó una gira con Benny Goodman y tocó en tríos con Chet Baker y Didier Lockwood. Tras el aclamado Chet's Choice en 1985, Catherine volvió como líder con el funky Transparence en 1987. Durante los años 90, el guitarrista grabó tres álbumes con el trompetista Tom Harrell, dos excelentes dúos con Pedersen (Spanish Nights y Art of the Duo), y un par de aclamados tríos con Serge Delaite y George Mraz (Emotionally y Teenagers). Dos trabajos de fusión post-bop muy eléctricos, Guitar Groove y Blue Prince, aparecieron bajo el nombre de Catherine para Dreyfuss Jazz y dieron comienzo a su siglo XXI como éxitos internacionales. Culture Griot, de 2009, con Baba Sissoko, Plays Cole Porter, de 2011, y el directo La Belle Vie se registraron internacionalmente.

Nacido en Londres en 1942, de madre inglesa y padre belga, Catherine se trasladó a Bruselas con su familia a una edad temprana. De adolescente se interesó por la guitarra, influenciada entonces por el cantautor y poeta francés George Brassens. A los 14 años ya tomaba clases y aprendía los elementos básicos de la improvisación del jazz cuando descubrió a Django Reinhardt. Enseguida absorbió el estilo distintivo de la leyenda del jazz, y con el tiempo recogió otras influencias, como el guitarrista belga René Thomas. También se sumergió en álbumes de luminarias como Art Blakey, Clifford Brown, Max Roach y otros.

Catherine comenzó a tocar en su adolescencia, trabajando en un trío con el especialista estadounidense en Hammond B-3 Lou Bennett y el baterista Oliver Jackson. También trabajó con el saxofonista belga Jack Sels y con el baterista Edgar Bateman, nacido en Filadelfia y residente en Bruselas. En 1970, el violinista Jean-Luc Ponty le pidió que se uniera a su banda e, inspirado por contemporáneos como John McLaughlin y Larry Coryell, Catherine permaneció con Ponty durante un año, dedicándose al sonido de fusión progresiva. También durante este periodo, asistió a clases formales de música en el Berklee College of Music de Boston.

A su regreso a Bélgica, Catherine se encontró con una gran demanda y desarrolló una serie de conexiones, incluyendo tocar con Klaus Weiss, Les McCann, Karin Krog, Dexter Gordon y otros. Como artista en solitario, debutó con Stream, de 1971, una mezcla funky e inventiva de jazz acústico y eléctrico. Siguió en 1975 con Guitars y September Man, ambos álbumes de gran inventiva e influencia de la fusión. Siguieron sesiones con Herb Geller, Niels-Henning Ørsted Pedersen y Charles Mingus, así como una gira a dúo con el guitarrista Coryell. También durante los años 70, formó pareja con el saxofonista Charlie Mariano para un puñado de sesiones, y completó la década con su propio Nairam, en el que también participó Mariano, junto con el trompetista Palle Mikkelborg y otros.

Durante los años 80, el perfil de Catherine siguió aumentando, ya que publicó varios trabajos bien considerados, como Babel, End of August y Trio con el guitarrista Christian Escoude y el violinista Didier Lockwood. También se produjeron citas con Aldo Romano, Stéphane Grappelli y Kenny Drew. También en los años 80, ganó atención por su trabajo con el legendario trompetista/vocalista de la Costa Oeste Chet Baker, haciendo giras y apareciendo en álbumes como Mr. B de 1983 y Strollin' de 1985. Aunque su álbum de 1986, Transparence, incorporaba teclados a su sonido atmosférico, su trabajo con Baker apuntaba a una estética más acústica. Un sonido que adoptó en I Remember You, de 1990. Dedicado a Baker (fallecido en 1989), el álbum también contaba con la participación del trompetista y flautista Tom Harrell. A lo largo de los años 90, Catherine publicó un flujo constante de álbumes para sellos de jazz más pequeños como Enja, Criss Cross y Dreyfus, incluyendo álbumes como Moods, Vol. 1, Spanish Nights y Guitar Groove de 1999.

En 2001, volvió con Blue Prince, que le permitió equilibrar su amor por el jazz acústico y la fusión eléctrica. Se unieron a él el trompetista Bert Joris, el bajista Hein van de Geyn y el baterista Hans Van Oosterhout. Joris también participó en el álbum Summer Night de 2002. El álbum orquestal Meeting Colours le siguió tres años después. El más íntimo Guitars Two apareció en 2008. Luego se unió al bajista van de Geyn, al pianista Enrico Pieranunzi y al baterista Joe La Barbera para el álbum en vivo de 2010 Concert in Capbreton. Un año más tarde, entregó la fecha del trío Plays Cole Porter, seguido por el cálidamente sofisticado Côté Jardin de 2013. El álbum a dúo New Folks con el bajista Martin Wind le siguió un año después. Luego se unió a la Orchestre Royal de Chambre de Wallonie para The String Project de 2015: Live in Brussels. En 2017, Catherine fue co-solista con la leyenda del saxofón finlandés Eero Koivistoinen en Jazz Liisa 13, y al año siguiente cortó La Belle Vie con su viejo amigo y colaborador Aldo Romano en la batería y el organista Emmanuel Bex. En 2019, Catherine publicó la fecha del trío Manoir de Mes Rêves con el bajista vertical Sven Faller y el guitarrista acústico Paulo Morello. El programa de estándares franceses fue compilado a partir de pop, jazz y chanson. En 2020, KTI Japan en asociación con Warner International remasterizó y reeditó Stream.

https://www.allmusic.com/artist/philip-catherine-mn0000287463/biography

www.philipcatherine.com ...

Joachim Schoenecker • In the Moment

 

 

German jazz guitarist, born in 1966 in Saarbrücken, Germany.

Joel Paterson • Go Lightnin'

 

 

Chicago-based roots guitarist/vocalist Joel Paterson plays jazz, blues, country, and swing music with his own group as well as such other Chi-town artists as the Four Charms, Nick Willet, and the Barclay 3. He released his debut acoustic country blues album, Down at the Depot, on Ventrella Records in 2002.

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El guitarrista/vocalista de raíces de Chicago Joel Paterson toca jazz, blues, country y swing con su propio grupo, así como con otros artistas de Chi-town como los Four Charms, Nick Willet y los Barclay 3. Lanzó su primer álbum de country blues acústico, Down at the Depot, en Ventrella Records en 2002. 

 

www.joelpaterson.com ...

Howard Roberts • Mr. Roberts Plays Guitar

Biography by Scott Yanow

Howard Roberts was a talented guitarist on the level of a Barney Kessel or Herb Ellis, who spent most of his career playing commercial music in the studios. Shortly after he moved to Los Angeles in 1950, Roberts was firmly established in the studios, although on occasion he recorded jazz (most notably twice for Verve during 1956-1959, a Concord session from 1977, and one for Discovery in 1979); however, most of his other output (particularly for Capitol in the 1960s) is of lesser interest. The co-founder of the Guitar Institute of Technology in Hollywood, Roberts was an enthusiastic and talented educator, and wrote a regular instructional column for Guitar Player.

https://www.allmusic.com/artist/howard-roberts-mn0000828507/biography

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Biografía de Scott Yanow

Howard Roberts fue un talentoso guitarrista a nivel de Barney Kessel o Herb Ellis, quien pasó la mayor parte de su carrera tocando música comercial en los estudios. Poco después de mudarse a Los Ángeles en 1950, Roberts se estableció firmemente en los estudios, aunque en ocasiones grabó jazz (especialmente dos veces para Verve durante 1956-1959, una sesión de Concord en 1977 y una para Discovery en 1979); sin embargo, la mayor parte de su otra producción (particularmente para Capitol en la década de 1960) es de menor interés. Roberts, el cofundador del Instituto de Tecnología de la Guitarra de Hollywood, era un educador entusiasta y talentoso, y escribió una columna de instrucción regular para el Guitar Player.

https://www.allmusic.com/artist/howard-roberts-mn0000828507/biography

 

 

Joshua Breakstone • Let's Call This Monk

 

Review by Scott Yanow
A few decades ago it was considered quite unusual for any musician to record a full set of Thelonious Monk songs. However, by the time guitarist Joshua Breakstone made this trio date, everyone seemed to be recording Monk's music and the formerly forbidding pianist-composer was rightfully considered not only a genius, but fairly accessible. With the exception of "Ruby, My Dear," Breakstone (a superior cool-toned guitarist) explores the more obscure and complex Monk tunes on this set, swinging such songs as "Work," "Eronel," and "Brilliant Corners" with ease. The trio is tight, with bassist Dennis Irwin contributing stimulating lines and drummer Mickey Roker being subtle and swinging in support. Although no longer groundbreaking, this is a fine addition to Joshua Breakstone's consistently rewarding discography.
https://www.allmusic.com/album/lets-call-this-monk%21-mw0000594920

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Reseña de Scott Yanow
Hace unas décadas se consideraba bastante inusual que cualquier músico grabara un conjunto completo de canciones de Thelonious Monk. Sin embargo, para cuando el guitarrista Joshua Breakstone hizo esta cita en trío, todo el mundo parecía estar grabando la música de Monk y el antes prohibitivo pianista-compositor era considerado con razón no sólo un genio, sino bastante accesible. Con la excepción de "Ruby, My Dear", Breakstone (un guitarrista de tono frío superior) explora las melodías más oscuras y complejas de Monk en este set, balanceando canciones como "Work", "Eronel" y "Brilliant Corners" con facilidad. El trío está muy unido, con el bajista Dennis Irwin contribuyendo con líneas estimulantes y el batería Mickey Roker siendo sutil y oscilante como apoyo. Aunque ya no es innovador, se trata de una buena adición a la siempre gratificante discografía de Joshua Breakstone.
https://www.allmusic.com/album/lets-call-this-monk%21-mw0000594920

www.joshuabreakstone.com ...

Barney Kessel • Easy Like

 

Review by Scott Yanow

Other than four songs apiece released by Onyx and Verve, the CD reissue of Easy Like, Vol. 1 has guitarist Barney Kessel's first sessions as a leader, performances which launched his longtime association with the Contemporary label. Augmented by two "new" alternate takes, the set features Kessel in boppish form with quintets in 1953 and 1956 featuring, either Bud Shank or Buddy Collette doubling on flute and alto. Kessel shows off the influence of Charlie Christian throughout the performances, with the highlights including "Easy Like," "Lullaby of Birdland," "North of the Border," and the accurately titled "Salute to Charlie Christian."

https://www.allmusic.com/album/easy-like-vol-1-mw0000197295

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Reseña de Scott Yanow

Además de cuatro canciones editadas por Onyx y Verve, el CD reeditado de Easy Like, Vol. 1 cuenta con las primeras sesiones del guitarrista Barney Kessel como líder, actuaciones que lanzaron su larga asociación con el sello Contemporary. Aumentado por dos "nuevas" tomas alternas, el conjunto presenta a Kessel en forma boppish con quintetos en 1953 y 1956, ya sea Bud Shank o Buddy Collette doblando sobre flauta y contralto. Kessel muestra la influencia de Charlie Christian a lo largo de las actuaciones, con lo más destacado, incluyendo "Easy Like", "Lullaby of Birdland", "North of the Border" y el exactamente titulado "Salute to Charlie Christian".

https://www.allmusic.com/album/easy-like-vol-1-mw0000197295

Colaborador / Contribuitor:  Michel

Russell Malone • Heartstrings

 

Biography
by Matt Collar
An adept jazz guitarist with a clean attack and fluid, lyrical style, Russell Malone often plays in a swinging, straight-ahead style, weaving in elements of blues, gospel, and R&B. Born in Albany, Georgia in 1963, Malone first began playing guitar around age four on a toy instrument, quickly graduating to the real thing. Largely self-taught, he initially drew inspiration listening to the recordings of gospel and blues artists including the Dixie Hummingbirds and B.B. King. However, after seeing George Benson perform with Benny Goodman on a television show, Malone was hooked on jazz and began intently studying albums by legendary guitarists like Charlie Christian and Wes Montgomery.

By his twenties, Malone was an accomplished performer, and in 1988 he joined organist Jimmy Smith's band. Soon after, he also became a member of Harry Connick, Jr.'s big band, appearing on Connick's 1991 effort Blue Light, Red Light. With his growing reputation as a sideman, Malone next caught the attention of pianist/vocalist Diana Krall, with whom he would work throughout much of the '90s and 2000s. Also during this period, Malone appeared with a bevy of name artists including Branford Marsalis, Benny Green, Terell Stafford, Ray Brown, and others.

As a solo artist, Malone made his debut with 1992's Russell Malone, followed a year later by Black Butterfly. In 1999, he released Sweet Georgia Peach, which featured a guest appearance from pianist Kenny Barron. Malone kicked off the 2000s with several albums on Verve, including 2000's Look Who's Here and 2001's orchestral jazz-themed Heartstrings. He then moved to Maxjazz for 2004's Playground, featuring a guest appearance from saxophonist Gary Bartz, followed by 2010's Triple Play.

Over the next several years, Malone appeared on albums by Wynton Marsalis, Christian McBride, and Ron Carter, as well as Krall bandmate bassist Ben Wolfe. He returned to solo work in 2015 with the eclectic small-group album Love Looks Good on You, followed a year later by All About Melody, both on HighNote. In 2017, he delivered his third HighNote album, Time for the Dancers, featuring his quartet with pianist Rick Germanson, bassist Luke Sellick, and drummer Willie Jones III.
https://www.allmusic.com/artist/russell-malone-mn0000808613/biography

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Biografía
por Matt Collar
Adepto guitarrista de jazz con un ataque limpio y un estilo fluido y lírico, Russell Malone toca a menudo con un estilo swing y directo, entrelazando elementos de blues, gospel y R&B. Nacido en Albany, Georgia, en 1963, Malone empezó a tocar la guitarra a los cuatro años con un instrumento de juguete, y pronto pasó a tocar la guitarra de verdad. De formación autodidacta, al principio se inspiró en las grabaciones de artistas de gospel y blues como los Dixie Hummingbirds y B.B. King. Sin embargo, tras ver a George Benson tocar con Benny Goodman en un programa de televisión, Malone se enganchó al jazz y empezó a estudiar atentamente discos de guitarristas legendarios como Charlie Christian y Wes Montgomery.

A los veinte años, Malone ya era un consumado intérprete, y en 1988 se unió a la banda del organista Jimmy Smith. Poco después, se convirtió en miembro de la big band de Harry Connick, Jr. y apareció en el álbum de Connick de 1991 Blue Light, Red Light. Con su creciente reputación como músico de acompañamiento, Malone llamó la atención de la pianista y vocalista Diana Krall, con quien trabajó durante gran parte de los años 90 y 2000. También durante este periodo, Malone actuó con un grupo de artistas de renombre como Branford Marsalis, Benny Green, Terell Stafford y Ray Brown, entre otros.

Como solista, Malone debutó con Russell Malone en 1992, seguido un año después por Black Butterfly. En 1999 publicó Sweet Georgia Peach, que contó con la participación del pianista Kenny Barron. Malone inició la década de 2000 con varios álbumes en Verve, entre ellos Look Who's Here, de 2000, y Heartstrings, de 2001, de temática jazz orquestal. Luego pasó a Maxjazz para Playground (2004), con la participación del saxofonista Gary Bartz, y Triple Play (2010).

En los años siguientes, Malone apareció en álbumes de Wynton Marsalis, Christian McBride y Ron Carter, así como del bajista Ben Wolfe, compañero de banda de Krall. Volvió a trabajar en solitario en 2015 con el ecléctico álbum para pequeños grupos Love Looks Good on You, seguido un año después por All About Melody, ambos en HighNote. En 2017, publicó su tercer álbum en HighNote, Time for the Dancers, en el que presenta a su cuarteto con el pianista Rick Germanson, el bajista Luke Sellick y el batería Willie Jones III.
https://www.allmusic.com/artist/russell-malone-mn0000808613/biography

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Ed Cherry • It's All Good

By DAN BILAWSKY

October 24, 2012

Guitarist Ed Cherry is best known for his lengthy, decade-plus tenure with trumpet titan Dizzy Gillespie, but his work with another heavyweight of a different ilk—organist Big John Patton—is a more obvious influence on It's All Good. Cherry played the important role of Patton's guitar-playing foil during some of the legend's '90s comeback sessions and he acquired a deep understanding of the organ group dynamic through osmosis during this period.

Patton's '90s work dealt with some outlying ideals—courtesy of musicians like saxophone maverick John Zorn—blended with a more straightforward approach, but Cherry doesn't flirt with far-reaching thoughts like his former employer. Instead, he puts his Grant Green-influenced guitar to good use on a program of relatively laid back material that emphasizes soul and groove in centrist fashion.

Cherry's slick-cum-sizzling finger work is ever-impressive throughout this program of smartly reworked covers and originals. He brings a sly sound to "You Don't Know What Love Is," delivers a Brazilian-tinged take on "Blue In Green," gives Thelonious Monk's "Epistrophy" a smoking, streamlined reading and turns Herbie Hancock's "Maiden Voyage" into a mid-tempo swinger. Elsewhere, Cherry hits a Wes Montgomery-like stride ("Something For Charlie") and revels in the warm beauty of Duke Ellington ("In A Sentimental Mood").

His comrades—organist Pat Bianchi and drummer Byron Landham—both prove to be well-suited for this session, as they're willing to lead or follow and able to go wherever the moment takes them. Bianchi is capable of extreme subtlety, as demonstrated with his gentle backing on "In A Sentimental Mood," but his skills don't stop there. He can cook with the best of them ("Something For Charlie") and he has a penchant for cut-to-the-core melodic delivery that's exhibited during a pair of Wayne Shorter tunes ("Deluge" and "Edda"). Landham, who earned his organ group stripes with Joey DeFrancesco and several other high profile players, is the consummate groove maker here, delivering waltz time wonders ("Edda"), Brazilian beats ("Blue In Green"), über-slow funk ("Chitlins Con Carne") and right-down-the-middle swing with equal skill. His solo trading, on display in several places, is crisp, classy and highly entertaining.

Cherry and company don't distinguish themselves by doing anything bold or new on It's All Good, but they make this a memorable outing through the sheer force of musicality and taste; the title doesn't lie on this one.

https://www.allaboutjazz.com/its-all-good-ed-cherry-posi-tone-records-review-by-dan-bilawsky.php?width=1824

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Por DAN BILAWSKY

24 de octubre de 2012

El guitarrista Ed Cherry es más conocido por su larga década con el titán de la trompeta Dizzy Gillespie, pero su trabajo con otro peso pesado de un organista diferente, Big John Patton, es una influencia más obvia en It's All Good. Cherry jugó un papel importante en la guitarra de Patton durante algunas de las sesiones de regreso de la leyenda de los 90 y adquirió un profundo conocimiento de la dinámica del grupo de órgano a través de la ósmosis durante este período.

El trabajo de Patton en los 90 trató con algunos ideales lejanos, cortesía de músicos como el saxofonista John Zorn, mezclados con un enfoque más directo, pero Cherry no coquetea con pensamientos de largo alcance como su antiguo empleador. En su lugar, le da un buen uso a su guitarra con influencia de Grant Green en un programa de material relativamente relajado que enfatiza el soul y el groove de forma centrista.

El ingenioso trabajo de Cherry con los dedos es siempre impresionante a través de este programa de tapas y originales inteligentemente reelaborados. Aporta un sonido astuto a "You Don't Know What Love Is", ofrece una versión con matices brasileños de "Blue In Green", da a "Epistrofía" de Thelonious Monk una lectura humeante y simplificada y convierte "Maiden Voyage" de Herbie Hancock en un swinger a medio tiempo. En otro lugar, Cherry da un paso como el de Wes Montgomery ("Something For Charlie") y se deleita con la cálida belleza de Duke Ellington ("In A Sentimental Mood").

Sus camaradas, el organizador Pat Bianchi y el baterista Byron Landham, demuestran estar bien preparados para esta sesión, ya que están dispuestos a liderar o seguir y son capaces de ir a donde sea que el momento los lleve. Bianchi es capaz de una sutileza extrema, como se demuestra con su suave apoyo en "In A Sentimental Mood", pero sus habilidades no se detienen ahí. Puede cocinar con lo mejor de ellos ("Something For Charlie") y tiene una afición por la entrega melódica de corte al centro que se exhibe durante un par de melodías de Wayne Shorter ("Deluge" y "Edda"). Landham, que se ganó sus galones de organista con Joey DeFrancesco y varios otros jugadores de alto perfil, es el consumado fabricante de ritmos aquí, entregando maravillas de tiempo de vals ("Edda"), ritmos brasileños ("Blue In Green"), über-slow funk ("Chitlins Con Carne") y swing de derecha a izquierda con igual habilidad. Su actuación en solitario, que se exhibe en varios lugares, es nítida, con clase y muy entretenida.

Cherry y compañía no se distinguen por hacer nada audaz o nuevo en It's All Good, pero hacen de esta una salida memorable por la fuerza de la musicalidad y el gusto; el título no radica en esto.

https://www.allaboutjazz.com/its-all-good-ed-cherry-posi-tone-records-review-by-dan-bilawsky.php?width=1824

Tricotism • Fingerbustin'

 It may not be cutting-edgeaa but this debut release from Tricotism – featuring established jazz hands Craig Milverton (piano) and Nigel Price (guitar) and comparative newbie Sandy Suchodolski (bass) – is full of melodic and improvisational sparkle, proving there's life in the old tradition yet. Milverton has long had a thing about Oscar Peterson – what self-respecting jazz pianist doesn't? – and this new trio is very much modelled on the Canadian's classic drummerless trio. Four of the tunes they perform are drawn from the Peterson compositional catalogue – ‘Sushi’, ‘Place St. Henri’, ‘Wheatland’ and ‘When Summer Comes’. The output of other mid-century keyboard modernists also features: Bud Powell's ‘Webb City’ and Thelonious Monk's ‘Eronel’ allows space for Price in particular to spread out; Billy Strayhorn's ‘Isfahan’ provides an opportunity for an extended display of delightfully evocative romanticism. The title track, an intricate fast blues that demands, as its title suggests, a good deal of its interpreters' digits, is the only original and brings the set to a rousing conclusion.
https://www.jazzwise.com/reviews/review?slug=tricotism-fingerbustin

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Puede que no sea vanguardistaaa, pero este primer disco de Tricotism, en el que participan los veteranos del jazz Craig Milverton (piano) y Nigel Price (guitarra) y el debutante Sandy Suchodolski (bajo), está lleno de chispa melódica y de improvisación, demostrando que todavía hay vida en la vieja tradición. A Milverton le gusta Oscar Peterson desde hace mucho tiempo -¿a qué pianista de jazz que se precie no le gusta? - y este nuevo trío sigue el modelo del clásico trío sin batería del canadiense. Cuatro de los temas que interpretan proceden del catálogo compositivo de Peterson: "Sushi", "Place St. Henri", "Wheatland" y "When Summer Comes". La producción de otros modernistas del teclado de mediados de siglo también está presente: Webb City', de Bud Powell, y 'Eronel', de Thelonious Monk, dejan espacio para que Price en particular se explaye; 'Isfahan', de Billy Strayhorn, brinda la oportunidad de un extenso despliegue de romanticismo deliciosamente evocador. El tema que da título al disco, un intrincado blues rápido que exige, como sugiere su título, una buena parte de los dígitos de sus intérpretes, es el único original y lleva el conjunto a una conclusión entusiasta.
https://www.jazzwise.com/reviews/review?slug=tricotism-fingerbustin


 

www.craigmilverton ...
nigethejazzer.com ...

Mel Brown • Blues For We

 

Review by Jason Ankeny

Mel Brown's final Impulse! date is a pairing with arranger Artie Butler, whose kaleidoscopic soul grooves prove an inspired match with the guitarist's rootsy yet sophisticated approach. The title notwithstanding, Blues for We largely abandons all pretense of conventional blues idioms to couch Brown in a series of soul-jazz contexts that draw heavily on mainstream R&B formulas; the problem is the material, which spans from avant-garde jazz to bubblegum pop and stretches even a player of Brown's considerable range far past the point of no return. Sometimes a record can be too ambitious for its own good, and the reach of Blues for We definitely exceeds its grasp -- given the choice to pursue any number of directions, Brown sets off in all of them, and loses himself in the process.

https://www.allmusic.com/album/blues-for-we-mw0000890181

 Artist Biography by Jason Ankeny

Best known for his decade-plus stint in support of Bobby "Blue" Bland, Mel Brown channeled elements of soul, funk, and jazz to create one of the most distinctive guitar styles in contemporary blues. Born October 7, 1939, in Jackson, MS, Brown received his first guitar at the age of 14 while battling meningitis, spending hours each day studying the music of idols like B.B. King and T-Bone Walker from his sickbed. His father, John Henry "Bubba" Brown, a gifted amateur guitarist who often backed Delta legend Tommy Johnson, was another seminal influence. After recovering from his illness, Brown joined the Duke Juniors, a teenaged spinoff of the popular local society band the Duke Huddleston Orchestra. Word of his prodigious abilities spread quickly throughout the region, and at 15, he played a series of gigs backing the great Sonny Boy Williamson. After a brief stint in Los Angeles, Brown returned to Jackson in 1955, honing his skills under Huddleston before permanently settling in L.A. three years later. After a six-month stretch with West Coast R&B singer Jimmy Beasley, Brown spent two years backing R&B great Johnny Otis. In late 1960, he toured with the Olympics, followed by a two-year tour of duty with the great Etta James. Most significantly, while touring with James he swapped his Les Paul for a hollow-bodied Gibson ES-175, later crediting the instrument for the warm, rich tone that set him apart from rival guitarists.

By 1963 the grind of touring forced Brown off the road. He returned to L.A. and resumed his collaboration with Otis, enjoying an extended residency at the Club Sands. He also launched a session career, playing on records by everyone from Bobby Darin to Bill Cosby as well as T-Bone Walker's Funky Town LP. His contributions so impressed ABC/Impulse! producer Bob Thiele that he invited Brown to cut his own album for the label: 1967's Chicken Fat, a wonderfully greasy blues-funk outing pairing Brown with fellow guitarist Herb Ellis, remains a cult classic. A series of impressive LPs including The Wizard, I'd Rather Suck My Thumb, and Big Foot Country Gal followed in quick succession before Brown joined Bland in 1971, appearing on the singer's classic California Album two years later. During his stint with Bland, the guitarist also moonlighted behind blues legends John Lee Hooker, Lightnin' Hopkins, and Roy Brown, and in 1976 he relocated to Nashville, where he maintained an even busier session schedule than in Los Angeles. Upon resuming his collaboration with Bland, Brown made the decision to temporarily abandon guitar in favor of the piano. He remained with the singer until 1982, putting his performing career on hiatus and moving to remote northeast Mississippi in an attempt to escape the music business.

Brown resurfaced in 1983 as a member of the house band at the legendary Austin, TX, blues joint Antone's. In the years to follow, he backed everyone from Buddy Guy to Stevie Ray Vaughan to Clifton Chenier. In 1986, he accepted Albert Collins' offer to join his band the Icebreakers, recording the acclaimed LP Cold Snap before returning to Antone's. In 1989, he resumed his solo career with If It's All Night, It's All Right, released on the club's eponymous label. A few months later Brown headlined the Kitchener, Ontario, venue the Pop-the-Gator Club, finding the experience so much to his liking that he relocated to Canada in early 1990. There he formed a new band, the Homewreckers, and steadily toured the southern Ontario nightclub circuit, finally reappearing on wax in 1998 as a guest on Snooky Pryor's Can't Stop Blowin'. Brown's Electro-Fi label debut, Neck Bones & Caviar, followed a year later, winning the W.C. Handy Award for Blues Comeback of the Year. With 2000's co-headlined Double Shot!, he and Pryor earned a W.C. Handy nomination for Traditional Blues Album of the Year. The concert disc Homewreckin' Done Live followed a year later. After another five-year layoff from recording, Brown issued Blues: A Beautiful Thing in early 2006.

https://www.allmusic.com/artist/mel-brown-mn0000342421/biography

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Reseña de Jason Ankeny

La cita final de Impulse! de Mel Brown es una combinación con el arreglista Artie Butler, cuyos ritmos soul caleidoscópicos son una combinación inspirada con el enfoque arraigado y sofisticado del guitarrista. A pesar del título, Blues for We abandona en gran medida toda pretensión de los modismos del blues convencional para encasillar a Brown en una serie de contextos de soul-jazz que se basan en gran medida en las fórmulas de R&B de la corriente principal; el problema es el material, que abarca desde el jazz vanguardista hasta el bubblegum pop y que extiende incluso a un jugador de la considerable gama de Brown más allá del punto de no retorno. A veces un disco puede ser demasiado ambicioso para su propio bien, y el alcance de Blues for We definitivamente excede su alcance - dada la elección de seguir cualquier número de direcciones, Brown parte en todas ellas, y se pierde en el proceso.

https://www.allmusic.com/album/blues-for-we-mw0000890181

 Biografía del artista por Jason Ankeny

Mejor conocido por su etapa de más de una década en apoyo de Bobby "Blue" Bland, Mel Brown canalizó elementos de soul, funk y jazz para crear uno de los estilos de guitarra más distintivos del blues contemporáneo. Nacido el 7 de octubre de 1939 en Jackson, MS, Brown recibió su primera guitarra a la edad de 14 años mientras luchaba contra la meningitis, pasando horas cada día estudiando la música de ídolos como B.B. King y T-Bone Walker desde su lecho de enfermo. Su padre, John Henry "Bubba" Brown, un talentoso guitarrista aficionado que a menudo apoyaba a la leyenda de Delta, Tommy Johnson, fue otra influencia fundamental. Después de recuperarse de su enfermedad, Brown se unió a los Duke Juniors, una derivación adolescente de la popular banda de la sociedad local, la Duke Huddleston Orchestra. La noticia de sus prodigiosas habilidades se extendió rápidamente por toda la región, y a los 15 años, tocó en una serie de conciertos apoyando al gran Sonny Boy Williamson. Después de un breve período en Los Ángeles, Brown regresó a Jackson en 1955, perfeccionando sus habilidades bajo Huddleston antes de establecerse permanentemente en Los Ángeles tres años más tarde. Después de un período de seis meses con el cantante de R&B de la Costa Oeste Jimmy Beasley, Brown pasó dos años apoyando al gran Johnny Otis de R&B. A finales de 1960, realizó una gira con los Juegos Olímpicos, seguida de una gira de dos años con el gran Etta James. Lo más significativo es que, durante una gira con James, cambió su Les Paul por una Gibson ES-175 de cuerpo hueco, y más tarde le dio crédito al instrumento por el sonido cálido y rico que lo distinguió de los guitarristas rivales.

En 1963, la rutina de las giras obligó a Brown a salir de la carretera. Regresó a Los Ángeles y reanudó su colaboración con Otis, disfrutando de una residencia prolongada en el Club Sands. También lanzó una carrera de sesión, tocando en discos de todos, desde Bobby Darin hasta Bill Cosby, así como en el LP Funky Town de T-Bone Walker. Sus contribuciones impresionaron tanto al productor de ABC/Impulse! que invitó a Brown a grabar su propio álbum para el sello: Chicken Fat, de 1967, una excursión de blues y blues que combina a Brown con su compañero guitarrista Herb Ellis, sigue siendo un clásico de culto. Una serie de impresionantes LPs incluyendo The Wizard, I'd Rather Suck My Thumb, y Big Foot Country Gal siguieron en rápida sucesión antes de que Brown se uniera a Bland en 1971, apareciendo en el clásico álbum de la cantante California dos años después. Durante su temporada con Bland, el guitarrista también trabajó detrás de las leyendas del blues John Lee Hooker, Lightnin' Hopkins y Roy Brown, y en 1976 se trasladó a Nashville, donde mantuvo una agenda de sesiones aún más ocupada que en Los Ángeles. Al reanudar su colaboración con Bland, Brown tomó la decisión de abandonar temporalmente la guitarra en favor del piano. Permaneció con el cantante hasta 1982, dejando su carrera de intérprete en suspenso y mudándose al remoto noreste de Mississippi en un intento de escapar del negocio de la música.

Brown reapareció en 1983 como miembro de la banda de house en el legendario Austin, TX, blues joint Antone's. En los años siguientes, apoyó a todos, desde Buddy Guy hasta Stevie Ray Vaughan y Clifton Chenier. En 1986, aceptó la oferta de Albert Collins de unirse a su banda The Icebreakers, grabando el aclamado LP Cold Snap antes de regresar a Antone's. En 1989, reanudó su carrera en solitario con If It's All Night, It's All Right, publicado en el sello homónimo del club. Unos meses más tarde, Brown encabezó el Kitchener de Ontario, sede del Club Pop-the-Gator, y encontró la experiencia tan agradable que se mudó a Canadá a principios de 1990. Allí formó una nueva banda, los Homewreckers, y viajó constantemente por el circuito de clubes nocturnos del sur de Ontario, reapareciendo finalmente en 1998 como invitado en Snooky Pryor's Can't Stop Blowin'. El debut de Brown con la etiqueta Electro-Fi, Neck Bones & Caviar, le siguió un año más tarde, ganando el W.C. Handy Award for Blues Comeback of the Year. Con 2000's co-headheadlined Double Shot! y Pryor ganaron una nominación para el W.C. Handy Album de Blues Tradicional del Año. El disco de concierto Homewreckin' Done Live fue seguido un año más tarde. Después de otros cinco años sin grabar, Brown emitió Blues: A Beautiful Thing a principios de 2006.

https://www.allmusic.com/artist/mel-brown-mn0000342421/biography

The Barclay Stars • Guitars Unlimited

 

 

Neil Andersson ‎• C'est Si Bon

 

 Editorial Reviews

This is Northwest Music Hall of Fame member Neil Andersson's first release. It's a balance of upbeat, hard swinging jazz and poignant ballads, all played with the influence of Django Reinhardt in a setting of guitar, piano, vibes, bass and drums. This CD is, at times, reminiscent of the George Shearing Quintet. There are four Django compositions here plus a mix of standards and Andersson originals. Neil's energy, precision and guitar mastery are evident with every note he plays and there are fine solos and support form vibraphone player, Susan Pascal and pianist, Michael Jaap. "C'est si bon" could easily become a favorite of Django fans and guitar enthusiasts alike.

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 Reseñas editoriales

Este es el primer lanzamiento de Neil Andersson, miembro del Salón de la Fama de la Música del Noroeste. Es un equilibrio de jazz alegre, swinging duro y baladas conmovedoras, todas tocadas con la influencia de Django Reinhardt en un ambiente de guitarra, piano, vibráfono, bajo y batería. Este CD es, a veces, una reminiscencia del Quinteto George Shearing. Hay cuatro composiciones de Django aquí, además de una mezcla de estándares y originales de Andersson. La energía, la precisión y el dominio de la guitarra de Neil son evidentes con cada nota que toca y hay buenos solos y apoyo del vibrafonista Susan Pascal y el pianista Michael Jaap. "C'est si bon" podría convertirse fácilmente en el favorito de los fans de Django y de los entusiastas de la guitarra.

Santiago De la Muela • Tres No Es Multitud

 

Santiago de la Muela es un compositor y guitarrista de jazz español (n. 12 de junio de 1960, Lanzarote, Islas Canarias, España). Ha publicado ocho proyectos discográficos y ha participado en diversos festivales de jazz, tanto en España como en el extranjero. Su maestría en la guitarra, en conjunción con su capacidad innata para la composición y su dominio del swing son tres rasgos que lo convierten en una de las figuras más representativas del jazz en el panorama español de las últimas décadas.

Santiago de la Muela nació el 6 de junio de 1960 en Arrecife , la localidad principal de la isla de Lanzarote, en Canarias. Poco después se trasladó junto a su familia a Madrid, donde ha desarrollado la mayor parte de su trayectoria musical.

Tras una sólida formación clásica, dirigió su perfeccionamiento musical hacia el jazz en el Ateneo de Música Moderna y Jazz de Madrid. Más tarde, culminó sus estudios de música en la prestigiosa escuela Berklee College of Music, de Boston, Massachusetts, en Estados Unidos. A lo largo de su carrera, ha realizado adaptaciones y conciertos para obras teatrales y también arreglos para el vocalista brasileño Francisco Guimarães. Asimismo, ha impartido conferencias en diferentes conservatorios de música y ha dado conciertos tanto en festivales internacionales de jazz (Sevilla, Salamanca, Emociona!!! Jazz, Gijón o Valencia) como en locales y salas de concierto, como la del Instituto Cervantes de Múnich. Ha realizado giras por España y EEUU, compartiendo escenario con artistas como de Chris Perry, los Heath Brothers, Larry Coryell o Lou Donaldson.

En la actualidad, compagina la labor docente con la composición e interpretación de jazz.

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Santiago de la Muela is a Spanish jazz composer and guitarist (b. June 12, 1960, Lanzarote, Canary Islands, Spain). He has published eight record projects and has participated in various jazz festivals, both in Spain and abroad. His mastery of the guitar, together with his innate ability for composition and his mastery of swing are three features that make him one of the most representative figures of jazz on the Spanish scene in recent decades.

Santiago de la Muela was born on June 6th 1960 in Arrecife , the main town on the island of Lanzarote in the Canary Islands. Shortly afterwards he moved with his family to Madrid, where he has spent most of his musical career.

After a solid classical training, he directed his musical improvement towards jazz in the Ateneo de Música Moderna y Jazz de Madrid. Later, he completed his music studies at the prestigious Berklee College of Music in Boston, Massachusetts, in the United States. Throughout his career, he has performed adaptations and concerts for plays and also arrangements for the Brazilian vocalist Francisco Guimarães. He has also given lectures at various music conservatories and has given concerts at international jazz festivals (Seville, Salamanca, Emociona!! Jazz, Gijón or Valencia) and in venues and concert halls, such as the Instituto Cervantes in Munich. He has toured Spain and the USA, sharing the stage with artists such as Chris Perry, the Heath Brothers, Larry Coryell or Lou Donaldson.

At present, he combines his teaching work with composing and performing jazz.

Tomo Fujita • Pure

 

Tomo Fujita has been a professional guitarist for over thirty years and a faculty member at Berklee College of Music since 1993.

Tomo’s philosophy, distilled into a one-liner, is that music is not just about playing; it’s about emotional expression.  He teaches students to inject emotion into every phrase, whether the style is blues, jazz, funk or rock.

Although he has resided in the United States for three decades, Tomo remains closely connected with musicians and the music business in his native Japan. He visits for a quick tour two or three times each year. Japanese guitar players have bought more than 160,000 copies of his (Japanese language) instructional books and videos.

Tomo has performed with some of the best, including Will Lee, Steve Gadd, Bernard Purdie, Steve Jordan, Susan Tedeschi, Phil Collins, John Mayer, James Gadson, Travis Carlton, James Genus, Kenwood Dennard, Darryl Jones, Lemar Carter, Paul Jackson and Janek Gwizdala. When he is not performing on his own, Tomo likes to sit in with others, like Ronnie Earl, Coco Montoya, Eric Gales, Josh Smith, Kirk Fletcher, and Matt Schofield.

Tomo has been an instructor to many great players over the years. The most famous of his former students is John Mayer. Tomo and John stay in touch to this day. Pictured above is a guitar that John signed for Tomo, next to the factory signature. Check out the video of these guys playing together during John’s 2008 visit to Berklee, in the sidebar.

Tomo also taught Eric Krasno of “Soulive” and Adam (“Shmeeans”) Smirnoff of “Lettuce” at Berklee. And there are three entertaining videos in the sidebar on this page featuring another former Berklee student: Tyler Larson, a shredder who has become an impressive teacher of guitar and music theory.

Tomo has been a user of Eminence speakers for many years. In 2012, Tomo teamed up with Eminence to create the TF-1250, thereby joining a club that includes Eric Johnson, who has also collaborated with Eminence to create a signature speaker.

The TF-1250 speaker became standard gear in the TF Signature amplifier that Two-Rock later developed with Tomo for distribution in Japan.

Tomo Fujita Wisdom Picks express Tomo’s philosophy, in guitar-playing and in life. Which one is your favorite? These are 1 mm picks made to Tomo’s specifications. They are the only picks he uses!

On October 2, 2009, at the invitation of the Boston Red Sox, Tomo performed a guitar-solo version of “The Star Spangled Banner” before the start of a game at Fenway Park. This was the largest audience for which Tomo has ever performed and, of course, the shortest live performance of his career. And no . . . it was not a Jimi Hendrix performance, but the fans loved it!
https://tomojustfunky.com/about-professional-guitarist-and-berklee-professor-tomo-fujita/

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Tomo Fujita es guitarrista profesional desde hace más de treinta años y miembro del profesorado del Berklee College of Music desde 1993.

La filosofía de Tomo, destilada en una sola frase, es que la música no consiste sólo en tocar, sino en la expresión emocional.  Enseña a los alumnos a inyectar emoción en cada frase, ya sea un estilo de blues, jazz, funk o rock.

Aunque lleva tres décadas residiendo en Estados Unidos, Tomo sigue muy vinculado a los músicos y al negocio de la música en su Japón natal. Lo visita para una gira rápida dos o tres veces al año. Los guitarristas japoneses han comprado más de 160.000 ejemplares de sus libros y vídeos instructivos (en japonés).

Tomo ha actuado con algunos de los mejores, como Will Lee, Steve Gadd, Bernard Purdie, Steve Jordan, Susan Tedeschi, Phil Collins, John Mayer, James Gadson, Travis Carlton, James Genus, Kenwood Dennard, Darryl Jones, Lemar Carter, Paul Jackson y Janek Gwizdala. Cuando no está actuando por su cuenta, a Tomo le gusta acompañar a otros, como Ronnie Earl, Coco Montoya, Eric Gales, Josh Smith, Kirk Fletcher y Matt Schofield.

Tomo ha sido instructor de muchos grandes jugadores a lo largo de los años. El más famoso de sus antiguos alumnos es John Mayer. Tomo y John siguen en contacto hasta el día de hoy. En la foto de arriba hay una guitarra que John firmó para Tomo, junto a la firma de fábrica. Mira el vídeo de estos chicos tocando juntos durante la visita de John a Berklee en 2008, en la barra lateral.

Tomo también dio clases en Berklee a Eric Krasno de "Soulive" y a Adam ("Shmeeans") Smirnoff de "Lettuce". Y hay tres entretenidos vídeos en la barra lateral de esta página en los que aparece otro antiguo alumno de Berklee: Tyler Larson, un shredder que se ha convertido en un impresionante profesor de guitarra y teoría musical.

Tomo es usuario de altavoces Eminence desde hace muchos años. En 2012, Tomo se asoció con Eminence para crear el TF-1250, uniéndose así a un club que incluye a Eric Johnson, que también ha colaborado con Eminence para crear un altavoz de firma.

El altavoz TF-1250 se convirtió en el equipo estándar del amplificador TF Signature que Two-Rock desarrolló posteriormente con Tomo para su distribución en Japón.

Las púas Tomo Fujita Wisdom Picks expresan la filosofía de Tomo, tanto en la forma de tocar la guitarra como en la vida. ¿Cuál es tu favorita? Son púas de 1 mm hechas según las especificaciones de Tomo. Son las únicas púas que utiliza.

El 2 de octubre de 2009, por invitación de los Medias Rojas de Boston, Tomo interpretó una versión en solitario de "The Star Spangled Banner" antes del comienzo de un partido en Fenway Park. Esta fue la mayor audiencia para la que Tomo ha actuado nunca y, por supuesto, la actuación en directo más corta de su carrera. Y no... no fue una actuación de Jimi Hendrix, ¡pero a los fans les encantó!
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Colaborador / Contributor:  Michel

Johnny Smith • Moonlight In Vermont

 

 

Guitarist Johnny Smith's career spans the decades of the 1940's through the 1990's. From the very beginning of his musical career he influenced the playing of other guitarists. In fact, many mention Smith as a major influence on their playing. The major guitar builders as Guild, Gibson, Benedetto, and the Heritage all have their signature Johnny Smith high end models as a tribute to this master.

John Henry Smith, Jr. was born in Birmingham, Alabama in 1922 and was only five years old when he became fascinated with the guitar. His father played five-string banjo but guitar was John's first and lasting love. Initially he was frustrated by the lack of a guitar teacher or instruction manuals: determined to master the instrument, he taught himself to play. Many outstanding and individual jazz soloists have fallen back on the empirical method for the same reason as Smith and emerged with wholly distinctive sounds. In 1935 the Smith family moved to Portland, Maine: Johnny was 13 and good enough to play in local bands.

In 1942 he joined the USAAF (he was already a student pilot) and ended up in a band which needed a cornet player rather than a guitarist. In six months he had learned the cornet well enough to be given the position of first cornetist. After his discharge from the Air Force in 1946 he went back to Portland to play both guitar and trumpet on local radio as well as playing in clubs at night, but the pay was never very good. He went to New York to work as an arranger at NBC and in 1947 he became a member of the NBC orchestra. For eight years he worked with the orchestra as guitarist, trumpeter, arranger and composer.

Although he had been greatly influenced by Django Reinhardt and Charlie Christian at the outset (he learned Django's solos from record and actually met the Gypsy guitarist when he came to the United States in 1946) Johnny did not consider himself to be a jazz musician. Nevertheless, he made his first record as leader in March 1952, in the company of Stan Getz, Eddie Safranski, Sanford Gold and Don Lamond. One title from that date, “Moonlight in Vermont,” was a turning point in Smith's career despite its short duration. “Vermont” was made for the Royal Roost label (frequently abbreviated to Roost Records) and the company signed Smith to a long-term contract during which time he produced around 20 albums. Roost was later absorbed by Roulette which reissued several of Johnny's LPs. Most of the albums featured solo guitar or a trio; two backed Smith with strings playing arrangements the guitarist wrote himself. There was a great appeal to Smith's graceful, melodic treatment of superior tunes. Not only the record-buying public but hundreds of guitarists found the music entrancing. The dexterous fingering, the perfection of manner in which he ran chords and arpeggios, all contributed to the acclaim for Johnny's work.

During his tenure at Roost Records, he produced a long list of significant recordings that include the great quartet recordings: “The Johnny Smith Quartet,” and “The Sound of The Johnny Smith Guitar” among others. Also, during this period he made the “Man With The Blue Guitar.” This album, unusual for its time, has probably been transcribed more than any other Johnny Smith recording. Then there was the production “Annotations of The Muses,” on which Johnny Smith displays everything that made him a great musician and an extraordinary guitar player.

Johnny Smith retired from the jazz scene in the 1960's to Colorado where he opened a music store. He continued to play in local nightclubs and made a recording with some local musicians “Reminiscing,” that showed he had lost none of the signature Johnny Smith style or technique. His last recorded work was the Concord Records CD “Legends,” in 1994.

The Johnny Smith Guitars:

In 1955, after discussions with the Guild Guitar Company, Smith designed a guitar and sent the drawings and specifications to the company. The Guild designers modified it (to Smith's dissatisfaction), and manufactured the resulting guitar as the Guild Johnny Smith Award.

In 1961, Gibson, went to meet the retired Smith at his home in Colorado Springs. Smith designed the guitar he wanted built. The design was accepted by Gibson with a few minor cosmetic changes which were acceptable to Smith. Gibson began production of the resulting Gibson Johnny Smith model that year. Guild continued to produce their Johnny Smith guitar under the model name Guild Artist Award.

When Gibson moved its manufacturing facilities from Kalamazoo, Michigan to Nashville, Tennessee, several of their managers and artisans chose to stay behind. Many of these ex-employees formed Heritage Guitars and bought the old Kalamazoo factory from Gibson. Given a choice between Gibson and Heritage building the guitar that bore his name, Smith chose to stay with the old artisans at the old location under new ownership. The Heritage Johnny Smith model was introduced in 1989. Like Guild before them, Gibson continued to manufacture their version of the Johnny Smith design with a new name: the Gibson LeGrand.

Fender Musical Instruments Corporation, of which Guild Guitars was a subsidiary, asked Smith if he would be willing to return his endorsement to the Guild Artist Award. Familiar with Schultz's management, and knowing that the construction would be supervised by master luthier Bob Benedetto, Smith agreed. The Guild Johnny Smith Award by Benedetto was available through Guild dealers until early 2006 when Benedetto left Fender.

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/johnnysmith

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La carrera del guitarrista Johnny Smith abarca las décadas de 1940 a 1990. Desde el principio de su carrera musical influyó en la interpretación de otros guitarristas. De hecho, muchos mencionan a Smith como una gran influencia en su juego. Los principales constructores de guitarras como Guild, Gibson, Benedetto y Heritage tienen sus modelos de gama alta Johnny Smith como tributo a este maestro.

John Henry Smith, Jr. nació en Birmingham, Alabama en 1922 y tenía sólo cinco años cuando se fascinó con la guitarra. Su padre tocaba el banjo de cinco cuerdas, pero la guitarra fue el primer y duradero amor de John. Al principio se sintió frustrado por la falta de un profesor de guitarra o de manuales de instrucciones: decidido a dominar el instrumento, aprendió a tocarlo él mismo. Muchos solistas de jazz sobresalientes e individuales han recurrido al método empírico por la misma razón que Smith y han surgido con sonidos totalmente distintivos. En 1935 la familia Smith se mudó a Portland, Maine: Johnny tenía 13 años y era lo suficientemente bueno para tocar en bandas locales.

En 1942 se unió a la USAAF (ya era un estudiante de pilotos) y terminó en una banda que necesitaba un corneta en lugar de un guitarrista. En seis meses había aprendido la corneta lo suficientemente bien como para que le dieran la posición de primer cornetista. Después de ser dado de baja de la Fuerza Aérea en 1946, regresó a Portland para tocar la guitarra y la trompeta en la radio local, así como en clubes nocturnos, pero la paga nunca fue muy buena. Se fue a Nueva York para trabajar como arreglista en la NBC y en 1947 se convirtió en miembro de la orquesta de la NBC. Durante ocho años trabajó con la orquesta como guitarrista, trompetista, arreglista y compositor.

Aunque había sido muy influenciado por Django Reinhardt y Charlie Christian al principio (aprendió los solos de Django a partir de un disco y conoció al guitarrista gitano cuando vino a los Estados Unidos en 1946), Johnny no se consideraba a sí mismo un músico de jazz. Sin embargo, hizo su primer disco como líder en marzo de 1952, en compañía de Stan Getz, Eddie Safranski, Sanford Gold y Don Lamond. Un título de esa fecha, "Moonlight in Vermont", fue un punto de inflexión en la carrera de Smith a pesar de su corta duración. "Vermont" se hizo para el sello Royal Roost (frecuentemente abreviado como Roost Records) y la compañía firmó un contrato a largo plazo con Smith durante el cual produjo alrededor de 20 álbumes. Roost fue absorbido más tarde por Roulette, que reeditó varios de los LPs de Johnny. La mayoría de los álbumes contenían una guitarra solista o un trío; dos respaldan a Smith con cuerdas que tocan arreglos que el guitarrista escribió él mismo. Había una gran atracción por el tratamiento elegante y melódico que Smith daba a las melodías superiores. No sólo el público comprador de discos, sino también cientos de guitarristas encontraron la música fascinante. La destreza de los dedos, la perfección de la forma en que dirigía los acordes y los arpegios, contribuyeron a la aclamación de la obra de Johnny.

Durante su mandato en Roost Records, produjo una larga lista de grabaciones significativas que incluyen las grabaciones de los grandes cuartetos: "The Johnny Smith Quartet" y "The Sound of The Johnny Smith Guitar", entre otros. Además, durante este período hizo el "Hombre con la Guitarra Azul". Este álbum, inusual para su época, probablemente ha sido transcrito más que cualquier otra grabación de Johnny Smith. A continuación, la producción "Annotations of The Muses" (Anotaciones de las musas), en la que Johnny Smith muestra todo lo que lo convirtió en un gran músico y un extraordinario guitarrista.

Johnny Smith se retiró de la escena del jazz en los años 60 a Colorado, donde abrió una tienda de música. Continuó tocando en clubes nocturnos locales e hizo una grabación con algunos músicos locales "Reminiscing", que demostró que no había perdido nada del estilo o la técnica de Johnny Smith. Su último trabajo discográfico fue el CD "Legends" de Concord Records, en 1994.

Las guitarras Johnny Smith:

En 1955, después de discusiones con la Guild Guitar Company, Smith diseñó una guitarra y envió los dibujos y especificaciones a la compañía. Los diseñadores del Guild lo modificaron (para insatisfacción de Smith), y fabricaron la guitarra resultante como el Premio Guild Johnny Smith.

En 1961, Gibson fue a ver al jubilado Smith a su casa en Colorado Springs. Smith diseñó la guitarra que quería construir. El diseño fue aceptado por Gibson con algunos cambios cosméticos menores que fueron aceptables para Smith. Gibson comenzó la producción del modelo Gibson Johnny Smith resultante ese año. Guild continuó produciendo su guitarra Johnny Smith bajo el nombre de Guild Artist Award.

Cuando Gibson trasladó sus instalaciones de fabricación de Kalamazoo, Michigan, a Nashville, Tennessee, varios de sus gerentes y artesanos decidieron quedarse atrás. Muchos de estos ex-empleados formaron Heritage Guitars y compraron la antigua fábrica de Kalamazoo a Gibson. Cuando tuvo que elegir entre Gibson y Heritage para construir la guitarra que llevaba su nombre, Smith eligió quedarse con los antiguos artesanos en la antigua ubicación bajo la nueva propiedad. El modelo Heritage Johnny Smith fue introducido en 1989. Como Guild antes que ellos, Gibson continuó fabricando su versión del diseño de Johnny Smith con un nuevo nombre: el Gibson LeGrand.

Fender Musical Instruments Corporation, de la cual Guild Guitars era una subsidiaria, le preguntó a Smith si estaría dispuesto a devolver su apoyo al Premio Guild Artist. Familiarizado con la administración de Schultz, y sabiendo que la construcción sería supervisada por el maestro luthier Bob Benedetto, Smith estuvo de acuerdo. El premio Guild Johnny Smith de Benedetto estuvo disponible a través de los distribuidores del Guild hasta principios de 2006, cuando Benedetto dejó Fender.

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/johnnysmith

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